Vernissage de l'exposition « Tous Azimuts »

Exposition « Tous Azimuts »

Novembre 2026

📆 Vernissage - Le samedi 28/11/26

Titre Exposition « Tous Azimuts »

Date 📆 Du 06/11/26 au 28/11/26

Lieu à La Galerie d'Art Liège By Culture Liège Asbl
Au 1er étage de la Galerie Opéra
📍 Place de la République française 35/64 - 4000 Liege

« Tous Azimuts »

Introduction:

L'art, sous toutes ses formes, vous intéresse, vous fait rêver, vous touche... alors n'hésitez pas venez visiter l'exposition de ce mois de novembre, elle est faite pour vous ! Les créations se distinguent par une grande variété de styles : réalistes, oniriques, abstraites, symboliques, surréalistes... que ce soit à travers des tableaux, des sculptures, des photos...
Tradition et modernité se côtoient harmonieusement ou fusionnent totalement pour créer des œuvres uniques, utilisant différentes techniques et de multiples médiums selon l'inspiration et les sentiments que le créateur ou la créatrice souhaite illustrer, mettre en valeur, évoquer, partager... C'est aussi l'opportunité de rencontres et d'échanges passionnants avec les artistes qui sont régulièrement présents.

Les artistes de l’exposition :

Michael Plumer, alias Abstract Plum, est un artiste plasticien belge originaire de la région liégeoise. Passionné depuis son enfance, il se forme à l’Académie des Beaux-Arts de Liège, puis à Saint-Luc. Il y approfondit la peinture, le dessin et la sculpture, tout en développant une approche personnelle. A travers Abstract Plum, il développe un style mêle abstraction et figuration, à travers des formes, des silhouettes et des regards. Ses œuvres, principalement réalisées sur bois, associent couleurs, textures, projections et gestes spontanés. Le noir y crée souvent une profondeur qui contraste avec des teintes vives et dynamiques. L’artiste recherche un équilibre entre maîtrise, émotion et imprévisibilité de la matière. Ses créations invitent chaque spectateur à ressentir et à interpréter librement son univers.

Vanessa Bourgine, peintre et pastelliste autodidacte, la nature est sa grande source d'inspiration. La dessiner la passionne et lui permet de partager les émotions qu'elle a ressenties en l'admirant. Elle aime explorer différentes techniques pour créer ses toiles et ses tableaux. Elle utilise la peinture acrylique, la peinture à l'huile et l'aquarelle. Mais aussi le pastel sec est très agréable à travailler et permet un rendu impressionnant: paysages ou portraits, un vrai plaisir à utiliser ainsi que le crayon graphite qui permet de créer des portraits expressifs, tout en douceur. Elle aime saisir cet instant merveilleux qui peut changer d'un moment à l'autre, saisir ce rayon de soleil qui illumine le paysage puis disparaît aussi vite qu'il est venu. Cette émotion qui traverse un visage puis disparaît l'instant d'après. C'est toute la magie de l'instant.

Bénédicte Veestraeten alias Bvstr est une artiste peintre autodidacte, depuis six ans, elle s'exprime essentiellement à travers la peinture acrylique sur toile. Au fil des années, elle a développé son propre univers artistique, guidée par son imagination, sa créativité et sa sensibilité. Sans formation académique, elle a appris à explorer les couleurs, les formes et les émotions, laissant progressivement naître une identité artistique qui lui est propre. Chaque toile est une nouvelle façon de s'exprimer, de raconter une histoire et de donner vie à ce que les mots ne parviennent pas toujours à traduire. Son art est le reflet d'un univers en constante évolution, où l'imagination n'a pas de limites et où chaque création raconte une part d'elle-même.

Alexandra Briois, née en 1973 à Abbeville, vit et travaille à Liège depuis 1992. Sa formation scientifique en histologie nourrit son intérêt pour les structures du vivant. Elle s’oriente ensuite vers les arts plastiques et l’architecture intérieure à Saint-Luc Liège où elle construit une pensée du geste, du volume et de l'espace. Son travail est influencé par le Bauhaus, le mouvement Cobra et Arno Stern. Depuis plus de vingt ans, Alexandra Briois travaille principalement à l'Écoline sur papier cartonné, explorant la transparence et la puissance du spectre coloré. Le sel intervient comme agent biochimique, révélant des nuances cachées dans la matière pigmentaire. Ses œuvres se déploient comme des cartographies, mêlant abstraction et organique, équilibre entre instinct et structure. Sa peinture, comparable à une embryogenèse, fait dialoguer intention, spontanéité et matière.

Inky Road a toujours aimé travailler dans le domaine artistique, enfant, il voulait déjà devenir artiste. Il a suivi des études secondaires en arts plastiques à Mons, où il a exploré diverses techniques. Poursuivant ensuite des études supérieures en illustration et dessin aux Beaux-Arts de Liège, ce qui lui a permis de s’affirmer dans ses thèmes et son style graphique, tout en diversifiant ses supports (illustration, stickers, tatouage, etc.). Aujourd’hui, il vit de son art, qu’il partage en galerie, en convention ou par le tatouage. Il propose une grande variété de sujets mêlant références et créations personnelles. Son travail reflète la continuité de son regard artistique. Il souhaite transmettre son art aux autres et peut-être devenir un modèle pour les futurs artistes, perpétuant ainsi le cycle créatif.

Miriam Dubois est formée en architecture à sl Tournai et en urbanisme à l’UCL, et a une carrière mixte d’architecte et d’urbaniste. Elle a suivi, dès son enfance, des cours de dessin et peinture, se spécialisant en sculpture dans diverses écoles d’art. Son travail artistique explore la vie quotidienne des usagers des logements qu’elle conçoit, mettant en avant la vitalité humaine dans ses sculptures. Utilisant de la terre cuite brute, elle construit ses sujets à partir de quelques volumes épurés, cherchant une dynamique dans l’entrecroisement, souvent improbable, de volumes simples et un fort contraste se dégage entre la rudesse de la et la profonde humanité des thèmes abordés. À travers ce langage primitif et sobre, elle livre un message universel d'amour pour l'être humain dans toute sa diversité.

Journal d'Ann, originaire d'Angoulême (la ville de la Bd), elle a déménagé en Belgique où, après ses secondaires, elle a entamé des études artistiques à l'Académie Royale des Beaux-Arts de Liège qu'elle a dû arrêter suite à un burn-out. Elle a mis du temps avant de se replonger dans l'art et de retrouver sa créativité enfouie au fond d'elle. Aujourd'hui, elle se spécialise dans l'art numérique à l'aide d'une tablette graphique, avec une prédilection marquée pour la couleur. Elle réalise des illustrations en laissant son libre arbitre prendre le dessus. Ses œuvres ne portent pas de messages inspirants ni de dénonciations particulières ; elles sont un simple partage. L'art est pour elle une évasion et, comme dans un journal secret, rien n'est plus personnel que les créations d'un artiste.

Jean de Salle, formé en architecture et urbanisme, a une carrière diversifiée d’architecte, d’urbaniste, de chercheur et d'enseignant à Isaslb, puis à La Cambre. Sa formation artistique inclut des cours de croquis et d’aquarelle, notamment sous la tutelle de Luc Marion. Et pourquoi cette préférence pour l'aquarelle et l'encre de Chine? Ce « Verseau » s’amuse des résultats inattendus lorsqu’il verse quelques gouttes d’encre ou de peinture dans un nuage d’eau. C’est rapide, spontané, surprenant... Ce peut être aussi l’eau claire qui tombe sur le noir profond. Elle s’y noie et déborde de son sillon... Le mariage du noir et de l’eau donne mille nuances de gris. C’est « grisant ». Cette gestuelle instinctive dépasse la raison, traverse le corps dans une passion magique. C’en devient presque « gnostique ».

FloW est une artiste plasticienne, enseignante et psychopédagogue. Sa pratique utilise des techniques mixtes combinant dessin, peinture et matières variées et son travail s'articule autour de la nature, la culture, l'humanité et la spiritualité. Son pseudonyme évoque le flux d'énergie et l'état d'immersion créative totale. Originaire de Nevers, elle s'est désormais installée à Sclayn, le long de la Meuse. Son parcours artistique s'est forgé au fil de ses voyages entre Nevers, Paris, Bruxelles et Namur. Elle crée aujourd'hui au sein de son propre espace de création, « L’Atelier de FloW ». L'association du sable de Loire à des végétaux récoltés au bord de la Meuse créent crée un pont poétique entre sa terre natale et son lieu d'adoption. À la frontière de l’abstraction, ses œuvres invitent le spectateur à interpréter et compléter l’œuvre.

Okram est un créateur de jouets et sculpteur contemporain qui emploie des techniques mixtes pour donner vie à des créatures grotesques et chaotiques, grâce à une fusion entre le filament issu de stylos 3D, la technique du feutrage à l'aiguille et aussi des créations en papier 2D telles des mini-comics et des décors. Alliant le charme nostalgique des jouets de monstres rétro à une esthétique brute et viscérale, propre à la science-fiction horrifique, il puise son inspiration dans les films d'action et d'horreur des années 80, le catch professionnel et la bande dessinée underground, pour créer un univers à la fois nostalgique et original, il façonne ainsi un monde fantastique saisissant où l'artisanat rencontre l'étrange et la culture allégorique.

Arlette Spiertz est née à Ougrée, a passé son enfance à Seraing et elle est fille de métallurgiste. Elle se définit, elle-même, comme une « professeure de dessin non assumée », cette exposition sera l'opportunité de l'inviter à expliciter pour quelle raison, elle se décrit de cette manière. Par contre, elle se sent vraiment une "artiste" parmi les artistes. Depuis sa plus tendre enfance, la peinture, la sculpture, les arts graphiques, la Bd... l’ont toujours accompagnée avec passion et bonheur. Son style, qu'elle définit comme du Pop Art, puise largement son inspiration dans notre chère nature, une nature martyrisée. À travers ses œuvres, elle cherche à mettre en lumière sa beauté, mais aussi les blessures que nous lui infligeons.

Roxane Volberg alias Madame Hervé est originaire de Liège et a étudié à l'École supérieure des arts Saint-Luc Liège, avec une spécialisation en bd et a poursuivi par un master à l'Académie royale des Beaux-Arts. Après une parenthèse de quelques années, elle a repris le crayon et partage son travail sur les réseaux sociaux (@madame_herve). Elle développe un univers graphique qui lui ressemble : coloré, décalé et parfois un peu kitsch et travaille avec différentes techniques, notamment le crayon de couleur, l'aquarelle et l'encre de Chine. Les animaux, et plus particulièrement les chats, occupent une place centrale dans son imaginaire. Des personnages anthropomorphes évoluent dans un monde fantaisiste et parfois étrange. Elle aime explorer l'inattendu et glisser une touche d'humour dans ses illustrations, cherchant avant tout à susciter la curiosité et à provoquer un sourire.

Vincent Salmon, la photographie est pour lui une histoire de famille, transmise sur plusieurs générations de photographes professionnels. À l’adolescence, il découvre le métier auprès de son père et pratique l’argentique. Après une longue parenthèse, il revient à l’image il y a quelques années, d’abord comme un besoin personnel. Cette reprise devient rapidement une véritable passion, qu’il développe en autodidacte. La photographie lui offre aujourd’hui un refuge face à l’agitation du monde. Son univers mêle photographie urbaine, street photography et recherche esthétique autour de la ville. Il s’attache aux jeux de lumière, d’ombre, de reflet, de lignes et de compositions inattendues. À travers ses images, il cherche à éveiller la curiosité et à proposer un autre regard sur la ville : celui d’un espace vivant, graphique et parfois inattendu.

Asuka's Drawing utilise le dessin et la couleur pour explorer les mondes invisibles et les histoires derrière le réel, inspirées par la fantasy, les contes et l'imaginaire japonais qu'elle utilise comme un langage pour parler d'émotions, de transformation et de voyage intérieur. Chaque illustration est pensée comme un passage où le trait et la couleur créent une atmosphère, complétée par le regard du spectateur. Des récits fragmentés oscillant entre rêve et réalité, peuplés de personnages en quête et de paysages oniriques, son art, mêlant héritage de contes anciens et esthétique contemporaine. En tant que passeuse de mondes, Asuka cherche avant tout à créer des images qui résonnent. Des images qui invitent à ralentir, à imaginer, et à renouer avec cette part sensible et rêveuse que chacun porte en soi.

Thomas Langer, né à Verviers en 1980, il vit à Lummen. Passionné depuis toujours par l'art, il perçoit la création artistique comme un langage intime pour exprimer ses émotions profondes. Formé à l’Académie des Arts de Hasselt, il s'est initié à l'acrylique avant d'adopter l'huile, laquelle est devenue son médium de prédilection. Son travail est influencé par le surréalisme, le gothique primitif et la Renaissance flamande. De cet héritage naissent des œuvres riches la profondeur des émotions et une certaine étrangeté poétique. Entre introspection et imaginaire, l’artiste cherche à révéler cette part intime et universelle qui nous rend profondément humains, mais aussi uniques, un univers pictural singulier, où les influences du passé dialoguent avec une sensibilité contemporaine, et où chaque œuvre devient une rencontre avec l’émotion, l’intime, l’inexprimé, l’inexprimable.

Ingrid Kluts, est née à Maastricht dans un univers marqué par l’art, les antiquités et l’expression. Très tôt, elle a cherché à donner forme aux expériences, sentiments et rêves, d’abord par la musique puis par les arts visuels, une quête devenue son fil conducteur. Sa fascination pour un art libre et expressif vient d’œuvres brutes et stratifiées qu’elle tente encore de retrouver dans son travail. Après plus de 27 ans en psychiatrie, dont 22 dans une équipe mobile, son art explore les mouvements de l’âme, les souvenirs et les traumatismes à travers la matière, la couleur et la forme. Elle donne voix à l'invisible et s'oppose à l'injustice, l'oppression et l'exclusion. Pour elle, l'inclusion est une conviction profonde, et son art crée un espace pour la différence, les histoires et l'humanité.

La rédac

- Où : La Galerie by Culture Liège - au 1er étage de la Galerie Opéra, place de la République Française, n°35 boîte 64 - 4000 Liège
- Horaires : Du lundi au vendredi de 13h à 18h, le jeudi de 13h à 16h et le samedi de 10h à 18h en présence d'artistes de l'exposition.
- Contact Gsm :
- Mail : - www.cultureliege.be
- Quand : Exposition du 06/11/26 au 28/11/26
- Vernissage : 07/11/26 de 10h à 18h
- Dévernissage – Le samedi 28/11/26
- Fermeture Galerie - Le 11/11/26

Cordiale(s) invitation(s) à tous(tes)

Prix : ➡️ Entrée Libre & Gratuite

Responsable de la Galerie :

Monsieur Juan Alcaniz
📍 Place de la République Française 35 /64 - 4000 Liege
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Responsable de Ma Balise :

Monsieur Philippe Henin
📍 rue Charles Magnette 60b084 - 4000 Liege
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