Vernissage de l'exposition "La Force de l'art" - Collectif de 10 artistes

L'ancienne chapelle Saint-Quentin (rue Lamir 29-31 à Mons) accueille du 05 au 30/11 l'exposition "La Force de l'Art" du Collectif d'artistes Rexa, Anthony Lamotte, David Bran, David Soyer, Guy De Larivière, Isabelle Grosjean, Jonathan Loute, Ladislas Kolodziej, Maria Puleo et Rabia Makhlaf.

Une véritable alchimie au coeur de la passion artistique

Rexa
Alessandra Sylva propose des pièces uniques dans les styles urbains Pop et Streetart sur du bois de récupération. Multiculturelle et éclectique, l'artiste utilise toute sa diversité dans ses créations où elle y mélange et incorpore différentes techniques et matériaux. Ses tableaux foisonnent de couleurs avec des millions d’éléments à observer... Elle y assimile le désordre et la confusion, appréciant que le public s’y attarde. "L’art ouvre des espaces de dialogue et de partage, quand on s'arrête devant une œuvre tout d'abord pour sa beauté puis pour la propre version de l'histoire que l'on aime à s'imaginer derrière".

Rabia Makhlaf
Originaire du Maroc et installée à Mons, Rabia Makhlaf développe depuis de nombreuses années un univers artistique personnel. À travers la sculpture sur métal, elle explore des thèmes inspirés de son histoire et ses racines. Son travail évolue inlassablement, mêlant diverses approches au fil de son parcours. Chaque création traduit sa réflexion profonde, guidée par ses convictions et sa sensibilité remarquable... Reflet d'une expression libre où la matière devient le langage de son identité. Une invitation à découvrir l’émotion derrière le métal.

Guy De Larivière
Guy De Larivière est un artiste pluridisciplinaire, après avoir décidé de se concentrer sur le déploiement de ses pratiques en 2013 : peintre, sculpteur, land art...Celui-ci explore un volet de techniques qui traduit son engagement pour la paix et la biodiversité. Peu importe le support, l’artiste valorise une démarche d'upcycling avec pour objectif de donner une seconde vie aux matériaux et transformer l'existant.

David Soyer
« Des formes et des couleurs, des références pop ou iconiques, de l’absurde ou du bucolique, envie de contact, d’amour ou d’amitié, envie de dire oui, de dire non, de dire plus jamais, besoin de résister, envie de construire et de se sentir bien, envie de sentir la brise et les parfums délicats floraux »... Des touches de sa vie et passions. Sa peinture bouillonnante et tournoyante a pour ambition de donner du plaisir, suggérant continuellement d'aller un pas en avant.

David Bran
Professeur à l’Institut provincial des Métiers d’Art à Mons, David Bran s’est intéressé très vite avec fascination aux techniques de la peinture et du dessin. La culture underground dont il était adepte dans les années 80 l’a naturellement mené vers la peinture au pochoir. Après s’en être éloigné, sans pour autant l’abandonner, il y est revenu avec ferveur pour en faire un médium narratif où la subversion côtoie l’introspection.

Anthony Lamotte
Artiste peintre de l’invisible et du vivant, Anthony Lamotte reste profondément attaché à Mons, sa ville de cœur, où il y a vécu près de trente ans. Son travail puise ses influences dans le street art et l’expressionnisme. Il explore des thématiques contemporaines à travers un univers atypique, nourri de références à la pop culture, à la science-fiction d’Orwell et de Philip K. Dick - autour de la question centrale : « Est-ce réel ou non ? ». Il porte aussi une certaine affection pour l’esthétique et la culture asiatique que l’on peut retrouver dans certaines de ces oeuvres. Il interroge notre société, ses dérives, ses mutations mais aussi ses mystères fondamentaux : « Pourquoi sommes-nous là ? » Un questionnement en profondeur de l’évolution du monde dans lequel nous vivons. Célèbre pour ses portraits de femmes, ces figures féminines traversent les époques et incarnent les tensions entre beauté, fragilité et force intérieure. Son fil conducteur : la représentation de l’âme, cette énergie invisible et immuable présente en tout être vivant. Par des formes graphiques récurrentes, il cherche à rendre tangible cet élément absolu et impalpable.

Jonathan Loute
La photographie est, pour lui, un langage symbolique. À travers des mises en scène épurées, inspirées de la peinture classique et du clair-obscur, il explore les territoires invisibles de l'être : l'identité, la mémoire, la vulnérabilité, le deuil, l'anxiété ou encore le rapport au corps. Chaque image est pensée comme une allégorie. Les objets, les gestes, les matières et les corps deviennent les fragments d'un récit que chacun est libre d'interpréter. L’artiste ne cherche pas à apporter des réponses mais à ouvrir un espace de contemplation, où le silence prend autant de place que la lumière. Là où le visible laisse entrevoir ce qui ne peut être dit. Ses photographies proposent de ralentir, de regarder au-delà de l'image et peut-être à reconnaître, dans ces ombres, une part de soi.

Ladislas Kolodziej
Artiste plasticien, sa passion pour la création est née du besoin de donner une forme à ce qui ne se voit pas toujours. Au fil des années, il a développé une pratique qui réunit la peinture, la sculpture, la céramique, le verre et le dessin. Chaque médium devient une manière d'explorer le temps, la mémoire et la transformation. Ses « Passages silencieux » sont une série de peintures construites par superpositions successives de couches et de glacis. Chaque glacis est un instant de vie. Une émotion, une rencontre, une épreuve, une renaissance. Couche après couche, la peinture se construit, laissant une trace qui transforme la précédente sans jamais l'effacer. Leur accumulation révèle peu à peu le paysage d'une vie. Ses peintures ouvrent un espace où la lumière, les profondeurs et transparences invitent chacun à contempler et à laisser naître son interprétation. Un rappel que nous sommes tous façonnés par les traces que le temps dépose en nous.

Maria Puleo
Pendant sa période professionnelle à Bruxelles, Maria Puleo, graphiste de formation, suit des cours de céramique à l’Académie des Beaux-Arts d’Etterbeek, sous l'égide de Mirko Orlandini. Elle s'inscrit ensuite aux Arts et Métiers de Jemappes dans la section sculpture pour plusieurs années de réalisations. Bernard Descamps, professeur, l'initie à exposer dans différents lieux culturels, galeries et depuis 8 ans, au Salon du Bon Vouloir. De par ses sculptures, elle rend hommage à de nombreux personnages célèbres : Van Gogh, Frida Kahlo, Camille Claudel, Rimbaud, Verlaine … L'artiste travaille aussi sur des thèmes éloquents : la condition de la femme, la nature, la consommation…

Isabelle Grosjean
L'intention : partir de l’identité d’un objet ou d’une partie d’objet usagé qui l’a interpelée par sa forme, sa couleur, sa matière initiale pour surprendre et démontrer sa nouvelle identité, suscitant une émotion et une empathie pour l’oeuvre créée. Les défauts telles que les usures, déchirures, tâches qui ont fait que l’objet a été délaissé sont mis en valeur. Les éléments invisibles ou qui n’attiraient pas d’emblée l’attention comme une face intérieure ou une couture enfouie dans la doublure d’un sac sont exploités et mis en évidence. Ce sont ces mêmes détails qui deviendront les pièces maîtresses de la nouvelle création et lui donneront son caractère, sa patine. Au gré de l’inspiration, coutures anciennes et nouvelles se mélangent, le recto devient le verso, des matières s’assemblent... Une fois l’utilité de l’objet retirée, on l’observe pour sa seule beauté. Ses objets sont destinés à contempler, avec des yeux d’enfant, les choses simples du quotidien et à en percevoir le potentiel d’innovation voire de séduction. Ses pièces sont comme tout un chacun, avec du caractère, un passé, un présent et un avenir … Et elles contribuent à leur manière à la sauvegarde de l’environnement.

Vernissage de l'exposition le 05/11 à 18h30
Ouverture du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 13h30 à 16h.