Exposition « Eros Corpus - 4e édition »

Exposition « Eros Corpus - 4e édition »

📆 Du 05/02/2026 au 28/02/2026

Titre Exposition « Fragments Pluriels »
Date 📆 Du 05/02/2026 au 28/02/2026
Heures 🕖 de 10H00 à 18H00
Lieu à La Galerie d'Art Liège By Culture Liège Asbl
Au 1er étage de la Galerie Opéra
📍 Place de la République française 35/64 - 4000 Liege
Évènement Evènement de La Galerie d'Art Liège By Culture Liège Asbl

Introduction :

Dans l'histoire de l'art, le corps nu a toujours été un sujet intéressant, représentant à la fois la beauté, la sensualité et la force. Aujourd'hui, le corps nu symbolise la libération des normes traditionnelles et l'acceptation de soi, même s'il doit composer avec un environnement rempli "d'images modifiées". Fondamentalement, il est devenu un moyen d'affirmer son identité, qu'elle soit culturelle, sexuelle ou personnelle, il reflète notre lien avec notre image, notre recherche d'authenticité mais aussi, pour chaque individu, l'acceptation de ce qu'il est.

Les artistes de l’exposition:

Wendy Carlier, passionnée par l'art depuis son enfance, elle a naturellement poursuivi des études artistiques. À 15 ans, elle a gagné un concours européen de photographie, marquant un tournant dans son parcours créatif. Au fil des années, elle a exploré divers styles, avec une forte inclination pour le surréalisme, inspirée par des artistes comme Salvador Dali et René Magritte, ainsi que par l'œuvre « Le désespéré » de Gustave Courbet. Récemment, les girafes sont devenues un symbole important, représentant paix et bienveillance, et lui permettant de véhiculer des messages. Elle a reçu le certificat 2024 de reconnaissance artistique au concours international Art Prize Luxembourg.

Kevin Zoso, photographe belge de Charleroi, explore le corps comme territoire sensible et lieu d’origine et de tension. Après des années dédiées à la photographie de mariage, au portrait..., il revient à une démarche personnelle où les images dialoguent entre elles. La série présentée interroge l’origine physique, intime et symbolique, le corps y apparaissant contenu et protégé. L’espace évoque cocon, matrice et enfermement, chaque posture et regard participant à une narration commune. Qu’il soit argentique ou numérique, il met l’accent sur le temps, le geste et la relation sujet-espace. Ses séries se lisent comme des fragments d’un récit plus vaste, invitant à la contemplation entre présence et vulnérabilité.

Suzanne Moreau, après une enfance et une adolescence centrée sur le dessin et la peinture, cette historienne de l'art délaissé ses crayons et ses pinceaux pendant 30 ans. Une rencontre en 2017 la reconnecte avec son essentiel : l'Art. Volontairement loin des courants et des tendances, elle s'exprime à travers différentes techniques dans un art le plus souvent figuratif (portraits, paysages...), coloré et lumineux. Pour cette exposition, elle ressort de ses cartons de nombreux nus, esquisses et croquis réalisés d'après modèles vivants lors de cours à l'Académie des Beaux-Arts de Liège entre 2017 et 2020. Les techniques sont diverses: fusain, feutre, stylobille, pastel gras.

Armand Le Jouanard, peintre autodidacte, s'est tourné, il y a 20 ans, vers la peinture de nus féminins. Ses premières commandes de nus viendront par des femmes voulant offrir des cadeaux à leurs époux. Il cherche à représenter la lumière et la beauté des corps tout en maintenant un respect envers son sujet. Sa participation à l’exposition "Terre de Femmes" lui a permis de nouer une amitié avec le peintre ukrainien Taras Loboda. Une rencontre déterminante avec Jean-Yves Guionet, maître du sensualisme, a transformé sa manière de créer en l'encourageant à abandonner le dessin préparatoire. Armand privilégie désormais l’émotion et la matière dans son art, mettant l'accent sur l’expérience sensorielle.

Akuma poursuivi des études en tant que plasticienne et technicienne en image de synthèse mais elle a toujours voué un amour inconsidéré à toutes les formes d’art quelles qu'elles soient. Et tout naturellement, de sa passion, elle en a fait son métier et c’est ainsi qu'elle oscille et s’inspire tant de l’illustration que du spectacle et/ou de la création visuelle et scénique. Ses œuvres très souvent engagées, sont inspirées par l’onirique, la poésie, l’humour et l’érotisme. Embarquez dans cette aventure avec elle pour un voyage plaisant et plein de découvertes qui pourraient nous seulement éveiller votre curiosité mais aussi vous plaire.

Guyom Gagneur, artiste réunionnais, est un autodidacte nourri tôt par la musique, le cirque et le spectacle vivant, un parcours où le corps, la lumière, la scène et l'émotion sont au cœur de la démarche. Animateur socioculturel, il découvre le carton, matière humble devenue son médium, terrain d’exploration du corps en mouvement. Il façonne, courbe et sculpte le carton, donnant naissance à des œuvres monumentales où le corps se fait sculpture et lumière. Aujourd’hui, son travail explore la relation entre corps, lumière et transformation, à partir de moulages réels. Ses sculptures en dentelle de carton célèbrent la diversité des corps, offrant une invitation à s’aimer tel que l’on est.

Asuka's Drawing, à la croisée de l’illustration contemporaine et du manga, elle interroge l’intimité comme corps vivant et sensible. Ses dessins présentent des corps féminins pluriels. Chaque image est un fragment de récit où l’émotion prime sur l'explicite, faisant du corps le centre du récit. La lumière — de l'aube, du crépuscule, de l’eau ou de l’intérieur — révèle les peaux, sculpte les silences et magnifie la vulnérabilité humaine. Utilisant des palettes chaudes et désaturées pour créer une douceur hors du temps qui habite le corps et le regard. Son travail veut ouvrir un espace de respiration où les corps existent pleinement, se rencontrent et s’autorisent à être vulnérables.

Vanessa Spadavecchia, artiste autodidacte italo-belge originaire de Tarente, elle vit en Belgique. En 2023, elle se consacre pleinement à son art, avec des expositions en Italie, en France, en Belgique et au Royaume-Uni. S'inspirant de maîtres anciens et contemporains tels que Rubens et Jenny Saville, elle célèbre le portrait et l'authenticité du corps humain grâce à la peinture à l'huile et au pastel. Travaillant principalement d'après modèle vivant, elle développe rigueur et spontanéité. Son utilisation précise du pinceau et des couleurs audacieuses lui permet de réinterpréter les œuvres classiques. Ses portraits invitent à apprécier la profondeur du regard et à réfléchir sur la diversité de la nature humaine.

Artiste peintre engagée, Loredana Maccioni alias L.M l'art explore les émotions humaines à travers une peinture sensible et incarnée. Nourrie par son parcours d’infirmière, son œuvre place l’intime, le désir et la vulnérabilité au cœur de la création. Sa série Tourment d’aimer, inspirée des romans-photos vintage et du pop art, revisite les passions amoureuses avec une esthétique à la fois glamour et troublante. Entre amour, dépendance et espoir, ses toiles révèlent l’érotisme des sentiments et la tension des corps et des regards. Une invitation à plonger dans un univers où l’émotion devient séduction.

Sylvaine Catoire crée des œuvres à partir d’archives, de photos familiales et de croquis réalisés sur le vif. Ses toiles, qui représentent des tranches de vie, s’inspirent de moments réels et d'ateliers de modèles vivants. Elle ne cherche pas à représenter une réalité exacte, mais plutôt à offrir une vision subjective en revisitant sa mémoire en permettant aux spectateurs de revisiter leurs propres souvenirs et ressentir l'émotion qui s'en dégage. Travaillant avec des pigments fortement dilués, presque aquarelles, qu'elle pose et superpose en couches minces, structurant et déstructurant son visuel, explorant le mouvement et la couleur pour l’amener au plus proche de ses souvenirs.

William Wila précise d'emblée : «Mes œuvres naissent de l'étreinte du feu, du fer, du verre.. . pour s'éveiller sous la caresse de la lumière.» Il réinterprète l'essence de l'Art Nouveau dans un frisson de clarté. Entre ses mains, la lumière devient une matière charnelle, un fluide qui insuffle la vie au verre et au métal. Par l'alchimie des Led et de la transparence, il ne se contente pas d'éclairer : il dévoile une âme. L'artiste joue avec les courbes et les contrastes, utilisant l'ombre pour magnifier la sensualité d'une ligne ou la délicatesse d'un détail. Chaque sculpture est une invitation à l'extase sensorielle, métamorphosant l'espace en un lieu vibrant de poésie pure.

Victor Hachard vit et travaille à Tournai et développe dès son enfance une fascination pour la lumière. Adolescent, il réalise l’éclairage d'une performance à la Halle Saint-Pierre de Paris. Il obtient un diplôme en photographie à l’Institut Saint-Luc et remporte le Prix Transfrontalier de la Jeunesse. Poursuivant des études, il travaille en tant qu'informaticien tout en continuant la photographie. Ses premières séries s’articulent autour du portrait en noir et blanc. Il adopte ensuite la couleur pour des scènes de rue flottantes et décalées. Aujourd’hui, son regard distant, parfois perçu comme froid, organise des cadres géométriques et un chromatisme assourdi, faisant émerger des paysages psychiques.

Mery est une artiste mystérieuse et amoureuse de l’amour. Une aura de douceur émane de ses œuvres qui symbolisent pourtant une profonde douleur. Sans avoir suivi de formation artistique, elle n’a, cependant, aucune limite à ses techniques. Elle s’exprime sur toile autant avec du fusain, que de l’acrylique, de la résine époxy ou encore de l’enduit. Sa créativité peut également se traduire à travers de petites sculptures en argile ainsi que d’autres petites choses en résine époxy. L'exposition Eros Corpus à la galerie Opéra est sa première exposition grand public. Elle espère qu’au-delà de la naïveté des ses toiles, son don d’amour et de soi sera reçu par les amateurs au travers de son art.

Yoann Dolomieu alias Anfoto, est un véritable passionné de photo et cela, depuis longtemps. Il aime particulièrement que le rendu des photos s'apparente à celui des tableaux. Il va retravailler les photos afin qu'elles ressemblent à ce qu'il voit au moment de la prise de la photo. Les retouches sont faites en partie au moment de la prise de vue. De cette manière, le travail s'inscrit vraiment dans une co-création, une interaction dynamique avec les modèles, tout en insufflant une profondeur et une authenticité uniques à l'expression artistique. Il travaille exclusivement via le téléphone pour la prise de vue mais aussi pour les retouches. Il est profondément convaincu que "pour lui, l'art c'est du partage".

Lueur Obscure, Liégeoise, autodidacte en dessin jusqu’en 2019, découvre les cours de peinture à l’huile de Pauline Dubisy, un vrai coup de cœur suivi d’une révélation avec le stage “peinture d’après sculpture”. En 2023, elle a découvert l'art abstrait à l'acrylique grâce à un cours avec Flore Boniver, et depuis, elle adore créer dans ce style varié, que ce soit à travers des tableaux, des figurines ou des objets du quotidien. Elle aime également s'éloigner de ce qu'elle fait habituellement pour explorer de nouveaux thèmes et s'amuser avec différents styles, techniques et époques, tout en gardant une passion pour les sculptures dont elle s'inspire ou reproduit en peinture.

Valérie Cassuto décrit son univers comme étant profondément féminin, sensuel et glamour, nourri par le pop art et une dimension spirituelle intuitive. Artiste multidisciplinaire, elle mêle résine, collage, texture, peinture et art digital pour créer des œuvres vibrantes, audacieuses et émotionnelles. Son travail célèbre la matière, l'image et l'énergie, dans un dialogue entre sophistication, liberté et imaginaire. C'est un mariage audacieux qu'elle explore à travers un voyage artistique où créativité et beauté se rencontrent. Chaque pièce devient une œuvre singulière, imprégnée d'authenticité et d'élégance.

Texte - La rédac

⏲️ Galerie : Du lundi au vendredi de 13h à 18h, le jeudi de 13h à 16h et le samedi de 10h à 18h en présence d'artistes de l'exposition.
📱 : - 📧 :
🌐 : http://www.cultureliege.be/
📆 : Exposition du 05/02/2026 au 28/02/2026

- Dévernissage – Le samedi 31/01/26 de 10h à 18h - Drink de 14h00 à 17h00

⏲️ Cafet'Opera :

- La Cafet'Opéra se situe au 1er étage de la Galerie Opéra - Place de la République Française, n°35 boite 4000 Liege et vous accueille du lundi au vendredi de 08H00 à 17H00 & de 10h à 18h le samedi & jour de vernissage.
- Possibilité de réserver un menu à la Cafet'Opera pour midi ou le jour du vernissage au
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Cordiale(s) invitation(s) à tous(tes).

Prix : ➡️ Entrée Libre & Gratuite

Responsable de la Galerie :
Monsieur Juan Alcaniz
📍 Place de la République Française 35 /64 - 4000 Liege
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Responsable de Ma Balise :
Monsieur Philippe Henin
📍 rue Charles Magnette 60b084 - 4000 Liege
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